Mientras trabajaba en esta nota, me puse a pensar en cuántas alegrías nos ha dado el formato OVA a todos aquellos que crecimos durante los años dorados del anime. Estas animaciones originales para video tenían un gustito diferente, un encanto especial que hacía las delicias de los fans. No era para menos: ningún otro formato ofrecía la libertad creativa de éste. Lejos de las restricciones y los tiempos tiranos de las cadenas televisivas, los equipos creativos podían hacer un mejor trabajo en la construcción del guión y el desarrollo de personajes, con un presupuesto por episodio más alto que el de cualquier serie de TV, y totalmente libres de episodios de relleno. Por supuesto, la calidad general de las distintas producciones era variable, pero muchas joyitas de los ´80 y ´90 eran OVAs. Fue también en este formato que vimos spin-offs que superaron a las series televisivas de las que derivaban. Pasó con Gundam, y también con Macross.
Macross Plus, serie de cuatro OVAs estrenada en 1994, marcó el regreso a la franquicia del creador de la serie original, Shoji Kawamori. Esta fue la primera secuela real de la serie de TV, y la primera ubicada en la continuidad oficial; Macross II había sido estrenada previamente, pero al no haber contado con la participación de Kawamori, fue considerada como un universo alternativo.
Macross Plus reunió un dream team: además de Kawamori, estaba Shinichiro Watanabe como co-director; Keiko Nobumoto a cargo del guión; Yoko Kanno en la música; y el brillante coreógrafo de mechas, Ichiro Itano. Por supuesto, una suma de talentos individuales no es garantía de éxito (algo que ya aprendimos con la selección argentina), pero en este caso, los talentos individuales formaron un equipo sólido que logró un producto que claramente apelaba a los fans más longevos y que, en muchos aspectos, superó en calidad al original.
Esta vez no nos encontramos con una épica space opera ni hay una amenaza alienígena capaz de destruir a la raza humana, sino una historia más autocontenida y centrada en los personajes. Isamu Dyson es un piloto de la UN Spacy que, debido a su constante imprudencia e insubordinación, se gana una transferencia al planeta Eden. Este planeta es sede del Proyecto Super Nova, donde dos compañías rivales compiten para reemplazar al viejo VF-11B Thunderbolt con sus respectivos prototipos de jets transformables. Isamu será el piloto de pruebas del YF-19, un modelo tradicional en cuanto a sus controles; mientras que el YF-21, el otro modelo en competencia, es directamente controlado por el cerebro del piloto al mando. Al llegar a Eden, Isamu descubre que el piloto de pruebas de la otra compañía es Guld Bowman, su viejo amigo de ascendencia Zentraedi con quien ahora mantiene una amarga enemistad. El motivo queda claro con la llegada a Eden de Myung Lone, manager y productora de una cantante virtual de gran popularidad, Sharon Apple. Las cosas se ponen cada vez más tensas a medida que las viejas broncas entre Isamu y Guld se reavivan en todo momento, llegando incluso a interferir con el proyecto del que ambos participan. Mientras tanto, sin que ellos lo sepan, un tercer prototipo está siendo probado, uno que prescinde totalmente de los pilotos humanos.
La serie original estableció tres elementos que, desde entonces, están siempre presentes en este universo: los jets transformables, el triángulo amoroso, y el poder de la música como tema central. En cuanto a los jets, de más está decir que los diseños de Kawamori son tremendos y, sumados a la calidad de la animación y la brillante coreografía de mechas, verlos en pantalla es alucinante. Además, esta serie fue precursora en la combinación de animación tradicional y CGI, con una fusión impecable entre ambas que resulta en un despliegue visual sin precedentes.
En lo que respecta al obligatorio trío protagonista, si bien hay un triángulo en donde las pasiones contenidas son evidentes, el hecho de que la serie esté orientada a un público adulto (más que cualquier otra ubicada en este universo) implica que el tratamiento de la relación y los conflictos entre los personajes es más maduro. Los conflictos no tienen que ver con un chico demasiado pajero ni con una chica demasiado histérica, si no con cuestiones más complejas y delicadas. Tampoco la resolución se dilata hasta el hartazgo, gracias a que no existe la obligación de rellenar tiempo en pantalla, como sucede con la serie de TV. Este tema avanza a través de la exploración de los personajes, sin someterlos a caprichos del guión.
En cuanto al tercer elemento, con las evocativas composiciones de Yoko Kanno y las interpretaciones de vocalistas como Gabriela Robin, Akino Arai y Mai Yamane, es más fácil creer que la música tiene un poder que roza lo hipnótico. Todo esto, sumado a una narrativa que maneja impecablemente los tiempos y mantiene el balance entre la acción y el drama, crea un atractivo combo que mantiene el espíritu de la serie original y, al mismo tiempo, se aleja lo suficiente de ella para atraer nuevo público.
En 1995 también se estrenó la versión fílmica, que contiene gran parte de la animación de los OVAs, además de unos 20 minutos de animación nueva.
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